"AKUARA TEATRO"

Virginia, “All You Need is Love”

2012-01-28T09:06:00.000-08:00

Foto: Ulises Regueiro. Joan Vega y Miriam Bermúdez.

Virginia, “All You Need is Love”
Por Elvira de las Casas.

El mundo alucinante de Virginia Woolf es el tema que recrea Rita Martín en su obra de teatro Flores no me pongan, que se estrenó en Miami a finales del 2010 y acaba de cerrar una segunda temporada en Teatro Akuara, simplemente bajo el nombre de Virginia.

Después de haber visto esta puesta en escena dirigida por Yvonne López Arenal, lamento haber demorado tanto en verla. Pero al mismo tiempo me satisface haberla visto en su representación final, en la que se notó un trabajo de constante perfeccionamiento que devino un espectáculo acabado, con interpretaciones actorales tan bien engranadas como en la maquinaria de un reloj.

Miriam Bermúdez se lució ofreciendo una Virginia atormentada por sus depresiones y por el recuerdo del abuso sexual a manos de sus medio hermanos, así como sus memorias de la guerra y su compleja relación con su esposo judío, Leonard Woolf. Martín tuvo el acierto de no limitar su obra a una representación esquemática de la cacareada bisexualidad de la escritora y la ha mostrado como lo que fue, una mujer adelantada a su época y una de las figuras literarias más sobresalientes de la primera mitad del siglo 20, a pesar de sus recurrentes cambios de estado de ánimo provocados por una depresión crónica que finalmente la condujo al suicidio.

Eso no quiere decir que en la pieza no se aborde el tema de su relación con la escritora Vita Sackville-West, con quien la Woolf sostuvo una relación lésbica que tuvo una marcada influencia en su obra más conocida: Orlando, la biografía de un personaje que vive a lo largo de tres siglos y que ella representa en la novela como hombre y como mujer. Pero se aborda sin morbo, con la misma naturalidad con la que Martín expone la relación de Virgina con su marido y con sus hermanos.

El actor Joan Vega se mantiene durante toda la obra a la altura del trabajo histriónico de Bemúdez, conduciéndonos a través de los diferentes pasajes de la vida de Virginia, desde su niñez en Cornwall y las estancias familiares en el campo, en Godrevy Lighthouse, hasta las experiencias sexuales que le infundieron sus característicos rasgos de rebeldía.

Aunque en un momento de la pieza el personaje de Bermúdez hace referencia a Nicole Kidmann, por su caracterización de Virginia Woolf en la película The Hours, que la hizo merecedora de un Oscar en el 2002, este retrato de la escritora inglesa recuerda más al de Who’s Afraid of Virginia Woolf, la cinta de 1966 dirigida por Mike Nichols, con Elizabeth Taylor y Richard Burton en los papeles principales.

De cualquier manera, se trató de una puesta en escena innovadora, en la que López Arenal se valió de un recurso que ella domina a la perfección: el uso de la música, para crear un retrato contemporáneo de una escritora que, pese a haber fallecido hace 71 años, sigue siendo, al igual que los Beatles, un símbolo de rebeldía que no se puede limitar a un solo momento histórico.

Sospecho que los espectadores salieron del teatro pensando que Virginia, como diría John Lennon, todo lo que necesitaba era amor.

Electra Garrigó: una lectura dramatizada que la prensa pasó por alto

2012-01-26T09:53:00.000-08:00

Foto: Miguel Pascual. Carlos Alberto Pérez, Matía Montes Huidobro, Miriam Lezcano Brito, Lian Cenzano, Belkis Proenza, Yvonne López Arenal y Christian Ocón.

Electra Garrigó: una lectura dramatizada que la prensa pasó por alto
Elvira de las Casas

En el recién celebrado Congreso de Dramaturgia y Artes Escénicas: Teoría y Práctica del Teatro Cubano del Exilio, que tuvo lugar en Miami, entre los días 12 y 15 de enero de 2012, recordando a Virgilio Piñera en el año de su centenario, uno de los eventos más destacados fue la lectura dramatizada de Electra Garrigó. Dirigida por Miriam Lezcano y representada por los actores de Havanafama y Akuara Teatro, Belkis Proenza, Yvonne López Arenal, Christian Ocón, Carlos Alberto Pérez y Lian Cenzano, esta lectura dio inicio a las actividades del congreso con la presencia de invitados y del público en general.

Me atrevería a decir que gran parte de los que presenciamos la lectura de esta versión de la obra más reconocida de Piñera, escrita por Matías Montes Huidobro, pensábamos encontrar simplemente eso, una lectura más parecida al trabajo de mesa realizado por los actores antes de comenzar los ensayos que a una puesta en escena con todas las de la ley. Por eso fuimos gratamente sorprendidos con una dramatización de altísimo nivel actoral y de dirección, respaldada por una acertada escenografía y un vestuario sumamente arriesgado y original. Al punto que, en lo adelante, cada vez que recordemos a esta Electra, lo primero que nos vendrá a la mente será la imagen de Belkis Proenza con un despampanante sombrero adornado por velos de varios colores, del que pocas veces pudimos apartar la vista durante la primera parte de la pieza.

Realmente el trabajo de Lezcano y de los actores que subieron al escenario de Akuara Teatro en la noche inaugural del Congreso ofrecieron un espectáculo profesional y arriesgado, del tipo que el público de Miami desearía poder ver más a menudo. Por eso es inexplicable que la prensa hispana de esta ciudad ni siquiera haya mencionado el esfuerzo de estos actores que, a pesar de pertenecer a compañías diferentes, se unieron en un mismo proyecto con la única intención de abordar con respeto y agradecimiento esta obra que marcó el comienzo de la modernidad en el teatro cubano, como han reconocido los críticos.

Los amantes del teatro latinoamericano están muy familiarizados con Electra Garrigó. Con esta obra Virgilio Piñera tuvo el “atrevimiento” de transplantar la clásica tragedia griega de Sófocles a La Habana de la segunda parte del siglo 20, y de usar la figura mitológica de Electra para reflejar la relación de pareja y los conflictos entre los hijos y los padres en la época moderna. Por eso resulta difícil imaginar que esta obra pueda ser objeto de actualización, más allá de la que concibió el propio Virgilio Piñera. Pero el talento de un buen director teatral no tiene límites, y si bien Piñera sorprendió al público de su época con un coro que, en lugar de narrar los hechos representados al estilo de los coros griegos de la antigüedad, lo hacía cantando la Guantanamera, a esta versión, repito, escrita por Montes Huidobro y dirigida por Miriam Lezcano, se la han añadido versos cantados a ritmo de rap y hasta pelucas de color neón que semejan el look de los cantantes rockeros de hoy día.

Yvonne López Arenal, en su personaje de Clitemnestra Pla, logró el justo tono dramático que esperaban de ella los asiduos a su sala de teatro en el distrito de arte de Bird Road. Y para los que no habían visto antes la actuación del actor nicaragüense Christian Ocón, fue un verdadero descubrimiento su Agamenón Garrigó, que por momentos se “roba la escena”, y que durante toda la obra estuvo a la altura de su pareja teatral, López Arenal.

La Electra que vimos durante el Congreso de Dramaturgia evidenció no solo que la obra de Virgilio Piñera sigue tan vigente como cuando se estrenó en 1948, sino además que el talento teatral de esta ciudad tiene mucho que brindar. Sólo hay que dejar a un lado los egos equivocados y trabajar con un objetivo común: darle el lugar que merece al teatro hispano en los escenarios de Miami.

Elvira de las Casas

LECTURAS DRAMATIZADAS “CELEBRANDO A VIRGILIO”.

2012-01-26T09:35:00.000-08:00

Foto: Mario García Joya.Christian Ocón, Joan Vega, Yvonne López Arenal, Carlos Alberto Pérez, Miriam Lezcano Brito, Lian Cenzano y Belkis Proenza.

Matías Montes Huidobro

Uno de los objetivos del Congreso “Teoría y práctica del teatro cubano”, “Celebrando a Virgilio” (Enero 12-15, 2012) no fue otro que establecer correlaciones entre el discurso crítico del texto dramático y el montaje escénico, ya que ambos aspectos están profundamente relacionados. Todo montaje es un discurso crítico del texto, que es un hecho teatral desde el momento en que se concibe, como una criatura que se gesta en el útero, e ignorar una cosa o la otra es un error. Por consiguiente, toda exposición teórica no hace más que iluminar la obra y debe tomarse en consideración al llevarse la obra a escena, como aprendizaje, ya que es un paso que la enriquece y permite obtener un resultado óptimo, que es lo que con frecuencia los directores, desde su altura olímpica, ignoran. Una cosa y la otra se complementan, porque toda lectura de una obra dramática es un montaje. De ahí mi particular empeño en las lecturas dramatizadas, como punto intermedio entre un extremo y el otro. Akuara Teatro fue la sede de tres de estas dramatizaciones, llevándose a escena otros dos en el “escenario” del Wesley Hall y en la sala Prometeo del Miami Dade College.

Foto: Miguel Pascual. Carlos Alberto Pérez, Matía Montes Huidobro, Miriam Lezcano Brito, Lian Cenzano, Belkis Proenza, Yvonne López Arenal y Christian Ocón.

Electra Garrigó

No hay más que partir de los título de algunas ponencias presentadas en esta convención, para darnos cuenta de la correlación entre teoría y práctica, como lo demuestran tres que paso a citar. La más obvia, “Electra Garrigó y la familia cubana en el ojo del huracán” (de Morbila Fernández) apunta sencillamente a las relaciones volcánicas, adulterinas e incestuosas, de una familia mal llevada, camino de resolver el problema con sangre, dispuesta a matarse unos a otros, que es pura crónica roja. En un análisis crítico de mi obra Oscuro total, Phyllis Zatlin observa, en otros términos, que leyendo el periódico uno se da cuenta de que la tragedia griega es pan nuestro de cada día, llevándose a cabo, hoy en día, espantosas limpiezas de sangre como la que lleva a efecto Electra Garrigó. Para explicarlo escénicamente se necesitaba conjugar el asedio de Electra y la manía persecutoria de Clitemnestra, de la cual se encargará de caracterizar teatralmente Yvonne López Arenal en toda su tajante desesperación, asediada por la desfachatez solariega que le da la tónica a la Electra de Belkis Proenza, cuya aproximación apunta el título de otra ponencia académica; la de Diana Alvarez-Amell cuando afirma que “Electra deja la tragedia”, justificándose así su gesticulación, su vestuario retador y estrafalario y en particular su peluca roja, que aunque sangrienta, no deja de ser paródica. No se trata en este caso de una muchacha fría y calculadora, inteligente y educada, como lo fuera, en otros tiempos, Lillian Llerena; sino una chica desfachatada y bastante solariega, atrevida y hasta grosera. Esa ferocidad dada plenamente entre madre e hija responde al análisis de la conferencia de Pilar Cabrera titulada, “Salida teatral: medios masivos y melodrama en el teatro de Virgilio Piñera”, que aquí, gracias a la versatilidad de Carlos Alberto Pérez, a su destreza musical, de un lado, sin escatimarnos las chulerías de Egisto, y a la concepción de la situación por Miriam Lezcano Brito, tienen una dimensión del aquí y ahora, Miami cubano con sabor a Calle Ocho, como en su momento también hizo Alberto Sarraín con su montaje de la obra, como si la “idílica” familia cubana estuviera en cualquier tiempo y en cualquier parte. Aunque representa una novedad, tiene su antecedente en aquella “guantanamera” que llevó Morín a escena y puso a Electra Garrigó en el mapa, después del fracaso de su primer montaje. No hay que pasar por alto el Agamenón de Christián Ocón que, con palangana o sin ella, tiene muy excelentes momento, secundado por Lian Cenzano a cargo de Orestes, que siempre ha sido, en todos los montajes que he visto, el personaje más flojo Piñera.

Dos viejos pánicos.

Siguiendo con Piñera, la dramatización de Dos viejos pánicos resultó excepcionalmente lograda, resuelta con una sencillez, tensión y eficacia de primera línea. Con dos butacas tipo bar, se resolvió todo el problema escenográfico, que sencillamente no necesitaba nada más. Todo Piñera estaba en el montaje, a la altura de uno que, hace varias décadas le vi a Morin en Nueva York. La propuesta de Valentín Alvarez-Campos no pudo ser más simple y al mismo tiempo más teatral, con un enfoque absoluto en el arte del actor, que es para mí la esencia del teatro. La constancia de ese juego pesadillesco entre Tota y Tabo se mantiene en pie desde el primer momento hasta el final, repetitivo, implacable, sin concesiones, llevándonos a la desesperación, anhelando de que termine la obra de una vez por todas, de que no vuelva sobre sí misma, sin importarle a Piñera un desarrollo argumental de ningún tipo, para joder, para jodernos, para que experimentemos gracias a la repetición lo que Tota y Tabo están viviendo, su tortura. La implacabilidad de esta relación mutua esta dada gracias a dos trabajos de actuación estupendos. De Daysi Fontao siempre habíamos oído decir que era una gran actriz, pero nunca la habíamos visto en escena, temiendo que, como ocurre frecuentemente, se exagerara; pero no, este no es el caso, porque su absoluto dominio de la voz, el gesto, los matices, que son los mismos y son diferentes, van y vienen hasta agotarnos, sin tiempo y en el mismo tiempo. Jorge Ovies hace otro tanto, pero no para subírsele a Fontao, que hubiera sido un error de actuación y por extensión de dirección, sino para diferenciarse, para matizar el juego de otro modo, para tocar la desesperación con otra nota, dándonos una muestra definitiva del mejor quehacer teatral. La dramatización ilustró cuando menos un par de aproximaciones teóricas presentadas en “Celebrando a Virgilio”: la de Luis González-Cruz “Virgilio Piñera en la encrucijada de la Revolución” y la de David William Foster, “Instancias queer en Dos viejos pánicos”. Ambas enfocaron la atención en estas “instancias” del texto, siendo un hecho significativo que en la versión original de Piñera, no se tratara de dos viejos pánicos de sexo opuesto, sino de un mismo sexo. Este planteamiento enriqueció el análisis de la obra en el contexto de la conferencia y de hecho pone en evidencia el carácter coercitivo y homofóbico de la revolución. Dicho lo anterior, sin embargo, y siguiendo la acción dramática detenidamente, la pesadilla recurrente de la pareja trasciende las limitaciones de la sexualidad, porque no se trata de un texto, en sí mismo sobre la identidad sexual, sino sobre el espanto que es la vida misma, la represión, la vigilancia y el miedo, y en particular la muerte, ese miedo último que nos acecha, el callejón sin salida en que todos nos encontramos, llamémonos Rin o Ran, Tota o Tabo, y con el cual todos podemos identificarnos, más allá de lo que tengamos entre las piernas.

Juegos y rejuegos

Cuando Beatriz Rizk nos comunicó su proyecto de rendirle un homenaje a Julio Matas, en el Miami Dade College, con los estudiantes de Prometeo llevando a escena lecturas dramáticas de piezas breves del dramaturgo cubano, nos pareció una idea estupenda, completando un cuadro de dramaturgos que compartirían con nosotros esta celebración (Acosta, Monge Rafuls, de Cárdenas) y que le darían a la misma una dimensión única. Rizk tuvo a su cargo la dirección de todas estas piezas, incluyendo Juego de damas (con Danly Arango, Cristina Ferrari y Hanna Ghelman), que es la más conocida de las tres, sobre la cual he comentado en otras ocasiones, y que viene a ser una tragedia paródica, donde se pone en evidencia es la habilidad única de Matas para burlarse de la condición humana. Todo funcionó sobre ruedas, y lo mismo podría decirse de El cambio, con Sarah Luz-Córdoba y Boris Alexis Roa, muy breve, que es un delicioso comentario sobre la naturaleza y el equívoco de las relaciones humanas. Pero quizás mi favorita sea Tonos, pieza donde parece que no está pasando nada, pero en la cual, en un lapso de apenas unos quince minutos, desfila, entre gestos, pausas y silencio, la vida y la muerte, en medio del vacío de la nada cotidiana. Luis Fuentes, Pablo Guillén, Luis Martínez, Rosa Méndez, Claudia Quesada y Lisset Riera lograron trasmitir con eficacia los tonos de este viaje fantasmagórico que es el crucero de nuestras vidas. La divulgación y reconocimiento de la dramaturgia de Matas, las dramatizaciones llevadas a efecto por un heterogéneo grupo de estudiantes procedentes de diferentes países latinoamericanos, sirvieron para enriquecer la propuesta interactiva entre la teoría y la práctica escénica.

Nocturno de cañas bravas

No podía faltar José Corrales en el contexto de la dramaturgia cubana del exilio por ser uno de nuestros mejores dramaturgos y uno de los menos afortunados, que apenas sube a escena, atrapado en las redes históricas de las dos orillas. Afortunadamente, sus piezas han sido publicadas en los Libretos de The Presbyter’s Peartree que aparecieron a fines de los noventa, lo que permite volver sobre ellas. Corrales es el dramaturgo de lo implícito más que de lo explícito, de lo íntimo más que de lo espectacular, de lo que no se dice más de lo que se dice, aunque no por ello se excluyen las segundas opciones. Pero es posible que por lo implícito, que es el subtexto, a muy pocos les interese llevarlo a escena. Su dramaturgia no es para engullirse como quien toma un purgante, como ocurre frecuentemente en muchos montajes que acaban dando la impresión de que lo que quieren todos (el director, los actores y el público) es salir del teatro lo antes posible.

En busca de una obra que permitiera una lectura dramatizada sin demasiadas complicaciones, mi decisión recayó en su Nocturno de cañas bravas, que me vi precisado a adaptar (paradójicamente) por razones de tiempo y para facilitar su lectura. En mi ayuda vino José Manuel Domínguez, que durante el Temfest del 2011 me había impresionado con un montaje limpio y directo de Ñaque o de piojos y actores de José Sanchis Sinisterra, honesto y sin artificios inútiles, y en cuyas manos dejé el “nocturno” de Corrales, con toda su teatralidad interna. La participación “en vivo” de Kurt Findeisen tocando la flauta japonesa (“shakuhachi”) (“la flauta sonaba como si hubiera estado allí desde siempre”, como me comenta Domínguez) matiza el subtexto y tiene su propia lectura. A mi modo de ver, lo que consiguió la dramatización de José Manuel Domínguez, fue un efecto de “música de cámara” que se inicia con un movimiento danzario de los actores cruzando el escenario; hasta llegar a la somnolencia del estado de duermevela de los personajes; la presencia casi intangible de la Pasante que deambula por el escenario con la textura de otra dimensión, que concluye con la gradual inmersión de Oberon en las aguas shakesperianas de Ofelia (que es el recitativo final al que se dirige la obra). Todo, mucho más complejo que lo que indican las apariencias, y que deja, inclusive sin contestar, la incógnita de la muerte de Oberón, para que la respondamos nosotros, en una pieza de auténtico final abierto.

La dramatización pierde algo en el escenario académico del Wesley Gallery, que diluye el efecto intangible de lo teatral, por muy contenida que sea la teatralidad de Nocturno de cañas bravas. José Antonio Salinas, Luis Naleiro y Carlos Ortiz supieron dar los contrastes caracterológicos de los tres personajes masculinos, el conflicto individual que los asedia, e Ivette Kelems supo dar los matices de la Pasante que nos ronda, mientras que la flauta (la idea es mía) agrega un subtexto que no estaba explícitamente en el original, pero que responde al enigmático espíritu que lo anima.

El pasatiempo nacional

En el seno de Akuara Teatro, una última lectura dramatizada tuvo lugar el domingo 15 de enero, con la cual se clausuraron las actividades teatrales de “Celebrando a Virgilio”. Desde hace mucho tiempo, he tenido específico interés en que se llevara a escena El pasatiempo nacional de Raúl de Cárdenas, y lo he planteado varias veces, por considerarlo un texto clave de este dramaturgo y del tratamiento del discurso gay. La correlación que establece de Cárdenas entre dicho discurso y el juego de pelota, cuya importancia como deporte nacional en Cuba ha sido siempre muy señalada, la condición eminentemente masculina de este deporte y la importancia que ha tenido también políticamente, siendo un medio utilizado por muchos peloteros para salir de Cuba, le da especial relieve a esta aproximación, porque, si de un lado la pelota ha sido parte de esa tramoya propagandística del “hombre nuevo”, también ha servido para las deserciones que han llevado a muchos peloteros cubanos a dar el salto a las grandes ligas del capitalismo. Los temas que se entrecruzan en la obra, van a ser utilizados por el dramaturgo para darle una vuelta total a todos ellos, convirtiendo el discurso de la masculinidad nacional, revolucionaria, en un discurso gay contrarrevolucionario donde todo hay que leerlo al revés. Nos remite, por otra parte, al discurso político directo del Raúl de Cárdenas de su primera obra, Los ánimos están cansados, anterior a La palangana, y a su necesidad imperiosa de comprometerse con todos aquello que le parece justo. Juan Roca asume la dirección del texto y lo proyecta de una forma directa y eficaz, todo bien dicho, aunque faltan insinuaciones y sutilezas que seguramente la presión de tiempo para el montaje no permitió un mayor desarrollo. Hay dos momentos excepcionalmente efectivos, aquel en que los dos jóvenes descubren la atracción sexual que sienten el uno por el otro, y el desenlace de la obra, con el asesinato del padre, que es sencillamente brutal, que salió muy bien, donde el que la hace la paga, llegándose a un crimen directo dentro del cual sobran las alegorías. Sobresale en el conjunto, la labor excepcional de Jorge Ovies, que no conforme con el trabajo realizado en Dos viejos pánicos, lleva a efecto un trabajo de actuación casi desconcertante, por lo convincente que resulta. Digo desconcertante, porque el padre es un canalla, un verdadero demonio capaz de cualquier cosa por la Revolución, un fanático total. Un fanático de tal naturaleza (como seguramente pensaban los nazis), que cree firmemente en la positividad de los crímenes que comete sin poner en tela de juicio la monstruosidad de sus actos. Pero, ¿acaso no es esta la convicción de los verdugos? ¿No es esto, precisamente lo que ha pasado entre los cubanos? La seguridad con la cual Ovies interpreta el personaje pone los pelos de punta.

Quede todo lo expuesto como una celebración virgiliana en la cual el teatro ha sido el protagonista.

Matías Montes Huidobro
Presidente, Instituto Cultural René Ariza

Días ya vacíos de Elena Tamargo.

2012-01-24T08:08:00.000-08:00

ZU PROJECT Jueves 26 de Enero en AKUARA TEATRO 8:00 pm

VIRGINIA DE RITA MARTIN. Última función en Miami.

2012-01-22T07:54:00.000-08:00

Realización de video: Rita Martin.

Última función en Miami. Viernes 27 denero a las 8 y 30 PM.

Akuara Teatro Sala Avellaneda

4599 SW 75 Ave

Miami FL. 33155

Tel/ 786 8531283

Akuarateatro1@aol.com

"Virginia" de Rita Martin con Miriam Bermúdez y Joan Vega. Dirección Yvonne López Arenal.

MUÑEQUITA LINDA de Jorge Carrigan.

2012-01-18T12:51:00.000-08:00

Muñequita Linda

Jorge Carrigan

Ni pervertidos ni mojigatos,

sino todo lo contrario.

Presentación del libro por la periodista Elvira de las Casas.

Akuara Teatro Sala Avellaneda

Miércoles 18 de Enero a las 8:00 pm.

Se ha producido el más grande acontecimiento tecnológico de la historia. La industria de los juguetes sexuales produce el mayor salto al futuro que jamás hubiéramos imaginado. En este contexto se inicia un proceso judicial sin precedentes. La intriga de esta novela gira en torno a la fabricación, venta, utilización y degradación de una muñeca sexual. A un ingeniero japonés, diseñador de juguetes eróticos, le piden que fabrique una muñeca tan perfecta que se asemeje lo más posible a una mujer real; pero el ingeniero lo hace tan bien que crea una MUJER, o sea, que fabrica una muñeca tan, pero tan perfecta que ésta termina acusando a su marido ante la corte por maltrato doméstico. El proceso judicial en el que Laura, la muñeca, pide la disolución del vínculo con su marido es la columna vertebral; pero la carne de esta novela es el relato paralelo de las historias sexuales de los que participan en el juicio; rubro en el que todos los encartados tienen historias desastrosas. De modo que el lector va marchando hacia la conclusión de que quien no tiene una experiencia de vida bien estructurada, no tiene autoridad para juzgar la moral y la ética de sus semejantes. Pero, además, el autor coloca a los lectores al borde de una trampa. Los pasajes que reproducen relaciones sexuales están narrados con todo detalle, de manera que una lectura superficial puede dar la apariencia de que es una novela altamente carnal; sin embargo, el 80% de las narraciones de actos sexuales son actos fallidos, así, al que le guste mucho será un pervertido y al que no le guste será un mojigato. En fin que, esta, que pudo ser una obra erótica o de especulación científica, se convierte en una novela satírica que pone en tela de juicio, literalmente, la facultad de juzgar a los demás partiendo de las experiencias propias.

Jorge Carrigan, nació en La Habana, en 1953. Estudió dramaturgia y dirección teatral en la Escuela Nacional de Arte en Cuba en la ya lejana década del 70, pero siempre sus inquietudes literarias lo inclinaron a intentar el oficio de escritor, de manera que en los 80 participó en una decena de Talleres Literarios y de Dramaturgia, entre los que se destacan el Taller “Eduardo Facciolo Alba”, el Taller de Dramaturgia “Rolando Ferrer”, conducido por Gerardo Fulleda, el Taller Bertolt Brecht, bajo la dirección de Fredy Artiles así como el Taller de Creación Escénica, un espacio de aprendizaje y creación que agrupó a una docena de jóvenes creadores durante un año de una experiencia artística única. En esa fructífera década del 80 recibió algunas menciones y reconocimientos en los eventos nacionales de Talleres Literarios en Cuba. En 1984 recibió el Primer Premio en el Concurso para Obras de Teatro Musical “Carlos Pous”, auspiciado por el Teatro Musical de la Habana con su obra musical Comedia de la Comedia. Desde esos años ha mantenido una labor continua como escritor. En 1991 obtuvo un premio en el Concurso Internacional de Obras de Teatro para Radio, que auspiciara la filial del Instituto Goethe en San José, Costa Rica, por su drama radiofónico El Show de Marc Human. Desde 1994 reside en Canadá donde fundó la compañía de teatro Theatrois, con la cual trabajó durante dos años y presentó la obra Triversión y el espectáculo Iconos, compuesto por los monólogos Mary y El Prócer, en salas de Montreal, Canadá y en varios Festivales entre los que destacan el Montreal Fringe Festival y el Festival de Theatre Carrefour de Saint-Lambert. Es autor de más de una docena de piezas de teatro, trabajo al que ha dedicado la mayor parte de su tiempo, además de escribir poesía y narrativa. Entre sus demás obras de teatro destacan, por haber tenido puestas en escena exitosas en varios países, Apuntes para el fin, Naufragios y El Hueco en la Pared. Ha continuado su faena literaria, con énfasis particular en la narrativa y la poesía y en 1999 apareció su libro de narraciones y poemas Cascabeles en la Punta. En 2002 apareció la antología Teatro de Segunda Mano, en la cual se recogen un grupo de piezas teatrales escritas en colaboración con otros escritores. En 2003 impartió por primera vez desde Canadá un taller de escritura dramática a través de Internet en el que participaron estudiantes de España y Canadá. En 2009 publicó algunas de sus piezas de teatro más recientes y dos obras de Teatro para Niños en una Colección Mínima de Ediciones Versio. Su novela Bailar con la más Fea salió a la luz en junio de 2010 bajo el sello editorial Atompress. En julio de ese mismo año la Editorial Sociedarte, de Santiago de los Caballeros, República Dominicana publicó Teatro Desnudo, una recopilación de tres de sus piezas de teatro más recientes. En ese mismo año se produjo el estreno mundial de su obra Corrientes en Madrid. En la actualidad conduce un taller de teatro con actores no profesionales de todas las edades en Ottawa, Canada. Una de sus líneas de trabajo es la docencia y ha dictado varios cursos de dramaturgia y escritura teatral y de narrativa impartiendo un método técnico-estético creado por él como resultado de su experiencia en el trabajo y el aprendizaje de diferentes métodos conocidos en muchos años de estudios. En marzo de 2011 se presentaron dos monólogos suyos en el X Festival latinoamericano del monólogo en Miami y en noviembre de este mismo año apareció su novela Muñequita Linda con el sello Plaza Editores. En proceso de edición se encuentran sus libros de poesía Tangible indemnidad y Mientras de noche vuelan otros pájaros. Trabajos poéticos y narrativos suyos, así como algo de su teatro, han aparecido en numerosas antologías y revistas. Trabaja, además, como traductor literario y técnico.

Presentación del libro miércoles 18 de Enero a las 8:00 pm.

AKUARA TEATRO SALA AVELLANEDA

4599 SW 75 AVE MIAMI

786 853 1283

Akuarateatro1@gmail.com

El teatro de Yvonne López Arenal. Elvira de las Casas.

2012-01-13T14:01:00.000-08:00

En la foto: Elvira de las Casas.

El teatro de Yvonne López Arenal

(Ponencia presentada en el marco del Congreso de Teatro 2012)

Introducción

La actriz, directora y dramaturga cubana Yvonne López Arenal comenzó su carrera desde muy joven en La Habana, donde egresó del Instituto Superior de Arte, trabajó en el grupo de Teatro Estudio y actuó en varias películas. Desde 1991 ha vivido en el exilio, primero en la Ciudad de México y después en Los Ángeles y Miami.

Durante el tiempo que lleva fuera de Cuba ha actuado en más de una veintena de obras, ha dirigido varias y escrito otras como Gaviotas Habaneras, El reina María, La noche de Eva y Traficantes de pasión. En este trabajo voy a referirme a estas cuatro obras publicadas y llevadas a escena, aunque López Arenal cuenta también con otras piezas inéditas como Café Tuluz, El idilio de la diva y Bejucal-Habana-Manhattan-New York.

En la primera parte de esta ponencia abordaré Gaviotas habaneras y El reina María, porque ambas tratan temas relacionados con Cuba, sobre todo con La Habana, y la nostalgia por la ciudad perdida; la frustración del actor que en su país hacía un teatro que a veces no le interesaba, para poder sobrevivir, y en el exilio tiene que dedicarse a una labor ajena al arte por la misma razón. Es lo que Yvonne ha llamado “el desamparo por la diáspora”(1). Asimismo tratan “el tema del reencuentro” (2), y el afán de los actores del exilio por seguir haciendo teatro en un medio que suele ser muy hostil, sobre todo para los hispanoparlantes.

La segunda parte estará dedicada a La noche de Eva y Traficantes de pasión, dos obras que se ubican en escenarios que nada tienen que ver con nuestro país de origen pero que abordan temas universales, de interés para el hombre de cualquier parte del mundo, tales como la búsqueda de la felicidad y la doble moral de la sociedad al juzgar el comportamiento erótico de hombres y mujeres. También hablaremos sobre la presencia de puntos de referencia con el cine europeo y el de Hollywood, así como al uso de las máscaras en su teatro.

El Reina María

La cubierta de un barco llamado ‘Reina María’, durante un viaje de placer de Tampa a New Orleans, es el escenario donde transcurre esta obra breve, cuyos tres personajes son actores y han llegado hasta el mismo lugar por diferentes razones. La principal, distanciarse de una guerra que está comenzando a desatarse en el continente.

Anselma y Sofía son dos actrices cubanas exiliadas, mientras que Jimmy es un actor norteamericano, famoso por sus películas en Hollywood, aunque habla español con fluidez. Anselma ha hecho algún dinero olvidándose de su carrera de actriz y trabajando en negocios de contabilidad y préstamos: así lo ha preferido, antes que morir olvidada y en la pobreza como le ha pasado a otros artistas en el exilio.

Por su parte Sofía, la romántica del grupo, sigue soñando con actuar y se gana la vida trabajando en supermercados, doblando películas eventualmente y hasta cuidando niños.

El pastel del mundo del teatro hispano es tan pequeño… y los elegidos parecen pirañas devorándolo, sentencia Sofía al principio de este encuentro, delatando su amargura por las envidias y mediocridades que ha tenido que enfrentar mientras procura volver al teatro, debido a los egos descontrolados y ambiciones tan desmedidas que destruyen todo a su paso, como ella dice. Jimmy, en cambio, se ha embarcado en el Reina María huyendo del acoso de los periodistas, lo que hace exclamar a Sofía: Así es la vida, qué paradoja la del artista, unos huyen de la fama y a otros ni siquiera nos roza.

En el transcurso de la obra Sofía y Jimmy descubren que tienen mucho más en común de lo que habían imaginado, pero cuando él le propone que intenten comenzar una vida juntos, ella se marcha diciendo: No todo lo hermoso es posible. Jimmy, debo encontrar mi propio camino.

Esta separación no presagia, sin embargo, un futuro triunfal para Sofía, hundida como está en el pesimismo como consecuencia de una situación de total desamparo. De esta forma la obra deviene una especie de parábola de la humanidad: de un lado, están los idealistas, los que a pesar de las dificultades siguen apostando a sus sueños. Por otro lado, están los que renuncian a sus sueños y prefieren asegurar sus necesidades materiales, incluso teniendo un comportamiento de dudosa moralidad. Y finalmente están aquellos que tienen todo en la vida pero no saben o no pueden apreciarlo.

Vale destacar que Yvonne pertenece al primer grupo, para suerte de los que amamos el teatro.

El final de la obra es un hermoso tributo al cine francés de la nouvelle vague, con una escena que recuerda a la película de 1973, La Nuit Américaine, (La Noche Americana), de François Truffaut. En este final no resulta difícil reconocer los principios enunciados por Truffaut en su famoso ensayo escrito en 1954, Une Certaine tendance du cinéma français, (Cierta tendencia en el cine francés)(3) en el que denunciaba el cine de “ancianos”, preocupado sólo por historias altamente pulidas y cuidadosamente construidas y promovía la realización de un cine alternativo que fuera la expresión fiel de las ideas y las emociones del cineasta. Elemento este que, como trataré de explicar más adelante en este trabajo, es una constante y me atrevería a decir que una voluntad de estilo en todo el desarrollo posterior del teatro de Yvonne López Arenal.

Gaviotas habaneras

Ubícate, Ignacio, esto no es un teatro, déjate de estar soñando. Trabajas en un café en Miami como camarero y el trabajo no deshonra. ¿Qué tiene de malo? Ponte para las cosas y lucha por los verdes, tienes que pagar tus ‘biles’ ¡y mira que son un montón de ‘biles’! Olvídate del teatro que no te va a pagar ni un café de tres kilos.

Con estas palabras se presenta a sí mismo Ignacio, el personaje central de Gaviotas habaneras, un actor cubano recién llegado a Miami que trabaja de camarero para satisfacer sus necesidades básicas mientras ensaya una obra de teatro con la que sueña conquistar el éxito.

La música y los cantos litúrgicos afrocubanos sirven de hilo conductor a esta historia en la que Ochún, la diosa Yoruba, se funde con el personaje coprotagónico, María de la Caridad, como un claro símbolo del sincretismo religioso cubano.

María ayuda a Ignacio a montar Bodas de Sangre, de Lorca, pero en realidad sueña con hacer Réquiem por Yarini, de Carlos Felipe. Hasta entonces ella ha logrado sobrevivir, al igual que la Sofía de El reina María, haciendo todo tipo de trabajos, gracias a lo cual ha podido reunir el dinero que pone a disposición de Ignacio para el montaje de la obra.

Poco a poco el actor, quien vive obsesionado con el personaje de Yarini, arquetipo ideológico, físico y fisiológico del machismo nacional, como bien ha señalado Matías Montes Huidobro, se va convirtiendo en una víctima de la fama, prestándose a dar entrevistas por televisión para un programa amarillista, en el que la periodista está más interesada en su vida privada que en su carrera. El éxito finalmente les sonríe cuando Ignacio y María llevan a escena la obra Réquiem por Yarini.

Mientras celebran su triunfo, ambos actores se cubren el rostro con una máscara que no se quitan ni siquiera para ejecutar un baile sensual que termina por destruir la resistencia de María ante las insinuaciones amorosas de Ignacio. María solo se despoja de la máscara antes de revelarle que ellos se conocieron en Cuba, donde tuvieron un encuentro sexual de una noche que nunca ha olvidado, pero que él no puede recordar.

El uso de máscaras en esta y otras obras de Yvonne, merece una breve, pero fundamental reflexión. Si bien su uso en el Teatro no es nada nuevo ni original, como sabemos su uso escénico se remonta al Teatro griego y, posteriormente cuando la representación teatral dejó de ser un acto religioso y el teatro fue teatro, la máscara era el elemento que transformaba al actor en personaje.

Sin embargo, las máscaras adquieren para ella un nuevo significado, o más bien un propósito marcado para integrarse en el carácter que se cubre el rostro con ella, dándole un sentido de dualidad al personaje en el que la máscara representa una parte de él y a la vez le sirve para ocultar las cosas que no quiere mostrar a los demás. En este sentido, la dramaturga tiene puntos de contacto con el concepto desarrollado por Yukio Mishima, el escritor y dramaturgo japonés, en su conocida novela Confesiones de una máscara, en la que narra la historia de un adolescente que debe aprender a vivir con la penosa realidad de que él es diferente a sus jóvenes iguales y a superar la crisis que significa descubrir que es un homosexual en el ceremonioso y ultraconservador Japón de la posguerra. Para sobrevivir y ser aceptado, este personaje debe vivir oculto tras una máscara que se corresponda con la realidad social en la que vive.

Así, los personajes de Yvonne tienen esa fuerza que al fingir y engañar a los demás, finalmente nos ponen al descubierto su alma y a la vez el carácter contradictorio de ser sinceros a pesar de ser tan sólo máscaras. Las coincidencias sin embargo no son fortuitas, Yvonne es cubana, y en Cuba, las máscaras son un elemento imprescindible para sobrevivir en una sociedad marcada por la simulación, la doble moral y el aplauso mientras en el fondo del alma se oculta la verdadera personalidad. Resulta paradójico, no obstante, que personalidad provenga de la palabra persona, la que a su vez se origina entre los actores de los antiguos teatros griego y romano, para los cuales su significado era máscara, porque significaba lo aparente, lo ficticio, lo creado por el autor dramático.

Otro recurso que se repite en varias de las obras de Yvonne, el teatro dentro del teatro, tiene un papel preponderante en Gaviotas, con personajes que, como ella misma ha dicho, “juegan entre el método y la espectacularidad” (4) . Fragmentos de Bodas de sangre, Réquiem por Yarini y Papá Montero sustituyen por momentos los diálogos de los actores, fusionando la ficción con la realidad. Y que con una fuerza extraordinaria nos llevan a preguntarnos: ¿Ficción y realidad, dónde comienza y termina cada una de ellas? Lo que las convierte en una unidad dialéctica teatral inseparable.

Si bien los diálogos de acción son los que mueven principalmente la acción dramática en sus obras, las referencias musicales se suceden, y al integrarse entre los diálogos la letra de danzones, boleros y cantos afrocubanos, lejos de ser elementos de distracción o extra escénicos, contribuyen decisivamente a la situación dramática.

En esta obra no puede pasar inadvertida la mención a modo de homenaje de dos grandes del teatro cubano: Carlos Felipe y Virgilio Piñera.

Yvonne escribió Gaviotas habaneras en el año 2000, y me atrevería a decir que es, hasta ahora, su obra más lograda. Es lamentable que no haya continuado explorando en obras posteriores el tema de la lucha del actor cubano por desarrollar su arte en el exilio, un tema que, 12 años más tarde, aún sigue teniendo la misma vigencia.

La noche de Eva

Un encuentro de Eva Fréjaville y Simone de Beauvoir, en una dimensión metafísica, es el argumento de esta obra que se convierte en un desafío intelectual entre dos mujeres que parecen disputarse su reputación como la más deseada de su época. La representación de este diálogo deviene un acto ritual, en el que ambas actrices son el eje del espectáculo y que mucho recuerda al teatro pobre de Grotowsky.

En medio de este desafío verbal sale a relucir el tema de los intelectuales esgrimidos por la izquierda como bandera y condenados al ostracismo cuando dejan de ser de utilidad para sus fines políticos. No debe olvidarse que en 1960, apenas unos días después de una visita de Simone de Beauvoir y su esposo Jean Paul Sartre a La Habana, Virgilio Piñera publicó el Diálogo imaginario con Sartre en Lunes de Revolución, donde desacredita su propia pieza Los siervos por no considerarla de interés para su época, y este texto y las circunstancias en que fue escrito subyacen en el argumento de La noche de Eva, aunque no es indispensable conocerlo para el entendimiento de la obra.

Los intelectuales somos como la puta del pueblo, nos usan y nos tiran, dice Simone. Subyace aquí el concepto enunciado por Ernesto Guevara en su manifiesto totalitario El Socialismo y el Hombre en Cuba que integrado a las no menos totalitarias Palabras a los intelectuales de Fidel Castro, se convertirían en capítulos centrales de la “Biblia” de la llamada Política Cultural de la Revolución Cubana, de funestas consecuencias para el Teatro y el arte en general en Cuba. Más adelante en la obra, Simone increpa a Eva, a quien bastante injustamente se le recuerda más por haber sido la mujer de dos intelectuales famosos –Alejo Carpentier y Carlos Enríquez que por sus propios méritos literarios. Mientras que Simone ha sido bien reconocida por el importante papel de su obra El segundo sexo en el movimiento feminista mundial, se desconoce casi por completo la labor intelectual de Eva como autora del ensayo Marcel Proust desde el trópico y de la comedia Damiano y sus espejos, así como sus colaboraciones con la revista Prometeo, basadas en el estudio de escritores franceses.

No eres más que una ramera, le dice Simone a Eva en el transcurso de la obra. Finalmente me envidias, nunca lograste mi prestigio, se te menciona por tus amoríos con hombres y mujeres.

A lo que Eva responde: ¿Y si fuera hombre? Sería un gracioso intelectual mujeriego.

Este comentario, que ni siquiera me atrevería a calificar de feminista sino simplemente de realista, es una justa valoración de la sociedad cubana impregnada de machismo y, como mencionaba al principio de esta ponencia, aquejada de una doble moral al juzgar la conducta erótica de hombres y mujeres.

Pero estas dos mujeres no se amedrentaban ante los prejuicios sociales, y si fueron libres en vida, más aún lo son en el plano espiritual donde se desarrolla La noche de Eva. Una noche en la que salen a la luz sus diferencias, pero también todo aquello que tenían en común, más allá de sus famosas parejas románticas.

Traficantes de pasión

En esta adaptación de Las amistades peligrosas, de Pierre Choderlos de Laclos y Quartett, del alemán Heiner Müller, es donde Yvonne recurre con más énfasis al uso de máscaras, las que en esta ocasión, además de ocultar y revelar guían al público en las transiciones de los actores, de uno a otro personaje.

Pero además las utiliza para resaltar el carácter lúdico del teatro, expresado oralmente cuando la actriz da inicio a la obra con una pregunta dirigida a los otros dos actores y que mucho le debe a la técnica teatral brechtiana del Verfremdung o extrañamiento: ¿Comenzamos el juego?

Cito al dramaturgo francés Jacques Copeau, quien dijo que el actor que juega con la máscara recibe de ese objeto la realidad de su personaje. Es comandado por él, y lo obedece irresistiblemente. Apenas se la ha puesto, siente derramarse sobre él una existencia que estaba vacía, que no sospechaba. No es solamente su rostro que se modifica, es toda su persona, es el carácter de sus reflejos que desde ya se preforman de sentimientos incapaces de experimentar y aparentar con la cara descubierta (4).

El uso de máscaras, es sin dudas un recurso estético del cual Yvonne sabe sacar provecho una vez más en esta obra donde la violencia doméstica es un reflejo pálido de la violencia social.

Escrita en 1981, Quartett es, tal como Müller lo describió, una reflexión sobre el problema del terrorismo a partir de una relación violenta entre el hombre y la mujer, la eterna guerra de los sexos, pero tanto el texto escrito por Müller como el escrito por Yvonne evitan circunscribir la acción a un momento histórico determinado.

El argumento gira alrededor de la relación entre Isabel/Madame Tourvel, Sebastián/El Presidente y Daniel/Daniela, interpretados por tres actores, cada uno en dos papeles diferentes. Isabel y su ex amante Sebastián planean vengarse, ella de su nuevo amor y él, de un viejo rival. Al igual que en la obra de Müller, los actores, en sus cambios sucesivos de personajes, convierten el escenario en un campo de batalla en el que la sexualidad y el lenguaje se convierten en armas letales. La perversión sustituye a las relaciones humanas y las llevan al límite, hasta una brutal autodestrucción.

Esta obra es quizás, de todas las escritas por Yvonne, la que evidencia una influencia más directa de la cinematografía, posiblemente porque la autora bebió en las fuentes del cine de Roger Vadim, Milos Forman y Stephen Frears, directores de las diferentes versiones de Las amistades peligrosas para la pantalla grande, antes de escribir la suya.

De ahí que, a los que hemos visto la puesta en escena, nos haya sorprendido gratamente la plasticidad de los movimientos, el ambiente creado con el vestuario y la escenografía y, sobre todo, la belleza conseguida con una iluminación que parece concebida para la cámara.

Pienso que en esta obra de Yvonne López Arenal, es en la que más se pone de manifiesto el sentido de su teatro, visto desde el punto de vista de los espectadores, es un teatro que significa lo que cada uno de ellos quiere que signifique y si se quiere, ese podría ser su logro principal. Algunos querrán ver en sus obras un contenido “comprometido”, palabreja esta ideológicamente complicada, porque según las convenciones de las frases culturales hechas, al menos dentro de la nomenclatura cultural cubana actual y de la izquierda en general, siempre quiere decir comprometido con la ideología socialista. Mientras que otros, entre los que me incluyo, dirán que es un teatro comprometido con la verdad. Su verdad. La que unas veces sentimos más cercana y otras más lejos y que en ocasiones nos duele y que en fidelidad a la ley fundamental del drama: el conflicto, es mucho más limpia y transparente que los caminos ya andados y desgastados. Esa es en suma para mí, la cualidad principal de su teatro, que no es otra que asumir con valentía el riesgo artístico que ella misma se impone, sin importarle en realidad si al caer el telón recibirá un prolongado aplauso, una cerrada ovación o la mayor de las indiferencias.

Algún día, quizás, veremos toda su obra publicada en uno o en varios volúmenes. Ojalá que pueda ser en Cuba. Mientras tanto, sigamos disfrutando de su talento como actriz, directora y dramaturga en este gran país que nos ha dado la libertad que necesitábamos para seguir creando.

Muchas gracias.

Elvira de las Casas

Miami, enero 2012

(1) Una de las constantes más recientes del teatro

cubano, a mi juicio, es el desamparo por la diáspora.

En la isla, muchas salas de teatro quedaron

vacías en los noventa. Un gran número entre

los que nos lanzamos a otros horizontes,

perdió el rumbo, se desperdigó y no se ha sabido

más de ellos. Con frecuencia entonces, comenzó

aparecer en el teatro cubano el tema de

el reencuentro.

Yvonne López Arenal, Revista Primer Acto, No. 311 V/2005, p. 108. España, 2005.

(2) Idem.

(3) Cahiers du Cinema, No. 31, París, 1954

(4) Yvonne López Arenal, Revista Primer Acto, No. 311 V/2005, p. 108. España, 2005.

(5) Journal de Jacques Copeau.

Teatro Akuara Proudly Presents Traficantes de Pasión

2012-01-06T09:04:00.000-08:00

Fotos: Iván Cañas y Mario García Joya. Diseño cortesía: Silvia Manzanero, Linda Friedman.

Teatro Akuara Proudly Presents Traficantes de Pasión

ST. PETERSBURG, Fla. – Miami-based theater company ‘Teatro Akuara’ will proudly present the company’s latest work Traficantes de Pasión on Sunday, February 12 at the L-train Theater, downtown St. Petersburg. The play is scheduled to start at 7:30 pm, following a prelude of cocktails and hors d'oeuvre beginning at 7:00 pm.

Based on the masterpiece literary work Les Liaisons Dangereuses by French novelist Pierre Choderlos de Laclos and on the novel’s subsequent adaptation to theatrical production Quarttet by German theatre director Henier Muller, Traficantes de Pasión offers a new, refreshing interpretation of these two groundbreaking works. Featuring lead actors Yvonne López Arenal, Carlos Alberto Pérez and Joan Vega, Traficantes de Pasión depicts the complex love-hate relationships among the play’s different characters, challenging the spectator to view a traditional theme through the lenses of a more contemporaneous theatrical experience that combines some of the most vanguard techniques in cinematography and theater.

Written and directed by Yvonne López Arenal, Traficantes de Pasión was widely acclaimed when it first premiered in Miami last October 14, 2011. Teatro Akuara has now selected St. Petersburg to be the first city to which the company brings Traficantes de Pasión on tour.

Teatro Akuara’s origins date back to 1998, when the company began performing in Los Angeles, California. The company was subsequently reborn in Miami, and was officially formed on March, 27, 2011, to coincide with the celebration of the international “World Theater Day”. Since then, Teatro Akuara has staged and helped produce several theater works including Obba, by Excilia Saldaña, El Banquete Infinito, by Alberto Pedro Torriente, and Virginia, by Rita Martin, and has hosted numerous poetry, music and visual arts productions.

For reservations and tickets information to Traficantes de Pasión, please contact Teatro Akuara at 786-853-1283 or Linda Ramirez at 727-471-3542, or email Akuarateatro1@gmail.com. The price for admission is $20.00 per ticket (only for the play). The L-train Theater is located at 900 Central Ave. Suite 25B, St. Petersburg, FL 33705.

For further information about Teatro Akuara, the company’s history, repertoire, and current running productions, please visit its website at http://akuarateatro.blogspot.com

“The play entirely in Spanish is scheduled to start at 7:30 pm, following a reception beginning at 7:00 pm."

"Electra Garrigó" en el marco del Congreso de Dramaturgia

2012-01-05T11:44:00.000-08:00

"Electra Garrigó"

Virgilio Piñera

adaptación de
Matías Montes Huidobro

Lectura Dramatizada en el marco del Congreso de Dramaturgia y Artes Escénicas:

Teoría y Práctica del Teatro Cubano del Exilio bajo el lema de “Celebrando a Virgilio”

Dirección
Miriam Lezcano Brito

Elenco:
Belkis Proenza, Yvonne López Arenal, Christian Ocón, Carlos Alberto Pérez, Lian Cenzano

Diseño de luces: Mario García Joya
Arreglos musicales: Carlos Alberto Pérez
Diseños: Alba Borrego
Técnico de luces: Rolando Santini
Asistente de dirección: Joan Vega
Asistente de producción: Miriam Bermúdez

Producción: "Akuara Teatro ": Alba Borrego, Carlos Rodríguez e Yvonne López Arenal.

Jueves 12 de Enero de 2012 a las  8:00 PM.
“Akuara Teatro Sala Avellaneda” 4599 Sw 75 Ave.  Miami FL 33155
Entradas: $15.00.  786 853 1283 Por reservación, aforo limitado.

Programación Akuara Teatro Sala Avellaneda- 1/2012.

2012-01-02T10:39:00.000-08:00

Foto: Iván Cañas.Yvonne López Arenal, Carlos Alberto Pérez y Joan Vega.

Foto: Héctor Gabino. Miram Bermúdez y Joan Vega

Viernes 6 de Enero
8 y 30 pm

"Virginia" de Rita Martin
Dirección Yvonne López Arenal
Elenco: Miriam Bermúdez y Joan Vega

AKUARA TEATRO 4599 SW 75 Ave Miami FL 33155. 786 8531283. "BIRD ROAD ART DISTRICT."

-----------------------------------------------------------------

Sábado 7 de Enero
8 y 30 pm

"Traficantes de pasión"
Dirección: Yvonne López Arenal
Elenco: Yvonne López Arenal, Carlos Alberto Pérez y Joan Vega

AKUARA TEATRO 4599 SW 75 Ave Miami FL 33155. 786 8531283. BIRD ROAD ART DISTRICT.

-----------------------------------------------------------------
Jueves 12 de Enero

Congreso de Teatro 2012 "Celebrando a Virgilio"
Homenaje a el dramaturgo cubano Virgilio Piñera en el centenario de su nacimiento.

Programación y apertura en "Akuara Teatro"

Lectura dramatizada de "Electra Garrigó" de Virgilio Piñera adaptación de Matías Montes Huidobro en el marco del Congreso de teatro "Celebrando a Virgilio" que presenta el Instituto Cultural René Ariza.

Dirección: Miriam Lezcano Brito
Elenco: Belkis Proenza,Yvonne López Arenal, Carlos Alberto Pérez, Christian Ocón, Lian Cenzano
Producción: Akuara Teatro.

Jueves 12 de Enero 2012 / 8:00 pm
Akuara Teatro 4599 SW 75 Ave / 786 853 1283
Boletos: $15.00
Por reservación aforo limitado.
------------------------------------------------------------------

Sábado 14 de Enero

Lectura dramatizada de "Dos viejos pánicos" de Virgilio Piñera.
9.00 pm

Dirección: Valentín Alvarez Campo
Elenco: Daisy Fontao y Jorge Ovies

Akuara Teatro 4599 SW 75 Ave / 786 853 1283
Producción: Valentín Alvarez Campo - Akuara Teatro
Boletos: $15.00
Por reservación aforo limitado.
-----------------------------------------------------------------

Miércoles 18 de Enero a las 8:00 pm

Presentación del libro de Jorge Carrigan (escritor cubano radicado en Canada)

Libro: "MUÑEQUITA LINDA"

Se ha producido el más grande acontecimiento tecnológico de la historia. La industria de los juguetes sexuales produce el mayor salto al futuro que jamás hubiéramos imaginado. En este contexto se inicia un proceso judicial sin precedentes. La intriga de esta novela gira en torno a la fabricación, venta, utilización y degradación de una muñeca sexual.

AKUARA TEATRO Sala avellaneda. 4599 SW 75 Ave Miami FL 33155. 786 8531283. BIRD ROAD ART DISTRICT.

----------------------------------------------------------------------

Comienzan las inscripciones para los talleres de teatro niños, jóvenes y adultos.
"La Verdad y el juego en el teatro actual"
Taller de actuación y artes visulaes.

Para informes llamar al 786 853 1283
Akuarateatro1@gmail.com